Ron Howard (A Beautiful Mind, Cinderella Man) venia dando noticia sobre su próxima película desde el año pasado, pero hasta ahora es que nos ha llegado el primer trailer. Titulada "Rush", ilusionando un poco al que creyó que pudiera ser un biopic de la legendaria banda, cuenta la historia James Hunt y Niki Lauda, famosos corredores de Formula 1. Christ Hemsworth (Thor, The Cabin in The Woods) sera el que le dará vida a Hunt, bajo las ordenes del ya renombrado director.
Lo primero que puedo pensar de esto, es que va a ser materia prima para la temporada de premios y más aún cuando se tiene a un director como Howard del cual no soy un gran entusiasta, pero que sé que la opinión publica lo tiene, generalmente, en buen lugar. Con visuales interesantes e una historia que tiene como protagonista a una persona "común", probablemente vaya a llamar la atención Tal vez el único entusiasmo de esto es ver a Hemsworth dedicado a expandir su gama de personajes y no caer en los papeles estereoscopicos, inclinándose a dramas interesantes.
Empezando una nueva sección en este blog he decidido tomar películas
de antaño y ofrecer mi punto de vista sobre ellas. No crean que sea muy fácil,
ya que hasta este momento solo había dado mi opinión sobre películas en
cartelera y en estreno. La diferencia es que estas nuevas películas no están a
la merced del tiempo ni de opiniones que se hubieran podido endurecer durante
los años, por lo cual intentare, en lo más posible, no contaminarme de esas
opiniones y concentrarme en mi propio criterio, tal y como si viera una película
en estreno. Obviamente esto no será absoluto y tampoco infalible, pero lo hago
en razón de ofrecer una reseña más sincera.
Dejando claro eso, la primera película de la cual hablare aquí
en Retrovisor es “Precious: Based on the novel ‘push’ by Sapphire” (Si, ese es
el título) dirigida por Lee Daniels y ambientada al final de los años ochenta,
en la comunidad de Harlem en New York City. Cuenta la historia de Claireece
Precious Jones, una adolescente afro-americana quien vive con su madre quien
abusa de ella emocionalmente y ha sido víctima de violación por parte de su
padre, dejándola ya embarazada dos veces, con el primer bebe con síndrome de Down.
Esta premisa era pues la que me dejaba sin aliento y
provocaba que prejuzgara la película. Un acto vil y deprimente, en el que se
apoyaban nada más en la lastima humana. Personalmente, no soporto un filme que
su única finalidad sea el provocar esa lastima vulgar sobre un personaje, sin
que realmente se preocupe por contar la historia de un verdadero ser humano. Mi
sorpresa fue que Precious no fue un ejercicio de lastima, sino más bien, una
historia sobre la condición humana, en condiciones deshumanas, un verdadero
retrato de la juventud que realmente fue víctima de las circunstancias.
La narrativa es simple, y deja que los actores se
desenvuelvan con naturalidad, con sorpréndete interpretaciones de Monique y Gabourey Sidibe quien da vida a Precious. Aquí, son los personajes los
que se vuelven los pilares que sostienen la trama y el filme en general. En
ciertos momentos, diálogos de Precious se mesclan con sus propios pensamientos
en un uso curioso de los voice over, también incluyendo su propia imaginación.
Esto fue lo que me hizo revaluar mis juicios sobre la premisa. En momentos de
gran dolor y desolación, la protagonista imaginaba su mundo de ensueño y las
representaciones oníricas eran de hecho muy acertadas, logrando que la pesadez
de la trama no consumiera al espectador.
Realmente no hay algo particularmente novedoso
con el filme. No rompe barreras, ni es nuevo en la cuestión de contar lo difícil
que puede ser la vida para algunos desafortunados, pero al mismo tiempo creo
que el filme no busca ser eso. Si, esta es una de esas que dejan moralejas, que
busca que te identifiques con la protagonista, que recuerdes los momentos en
que sentiste que no ibas a salir del hueco que alguna vez has estado. Es por
eso que la es dedicada a todas las “Precious” del mundo, no a las
afro-americanas con sobrepeso, no, sino a las personas que sienten que la vida
no golpea sino que desgarra, corta y muerde. No todo está perdido.
No soy fanático de los mensajes moralistas,
pero le agradezco al filme ser sincero, muy sincero y sobre todo muy humano,
que es algo que muchas películas desearían ser y en materia de cine, saber
contar una historia apropiadamente y no necesariamente llena de
convencionalismos.
Calificación: 3 Cubetas de pollo frito de 5 (¡Corre!)
Empiezo por disculparme del inconsciente abandone en el que
tuve el blog. Las razones son un remolino de problemas personales, familiares y
demás y que todavía aun no han terminado, pero que siento que ya no son excusa
para parar de escribir. Ahora quiero volver y quiero desarrollar más el sitio.
Si se dieron cuenta, la descripción de este blog no solo incluye películas,
sino otra gama de medios de las cuales he estado un poco reacio a presentar opinión
porque aun no sentía la seguridad suficiente, pero he decidido darle un vuelco
a esto y lanzarme a escribir sobre más cosas, incluyendo noticias sobre tales medios.
Los géneros en el cine han estado presentes desde su creación y no por casualidad, ya que la existencia de estos, se remonta a la creación de la narrativa misma, en cualquiera de sus presentaciones. Al principio, basarse en un género era de gran ayuda, ya que los cánones de la narración estaban establecidos, por lo cual el trabajo de contar una historia se reducía a la mitad. En la medida de que el cine fue creciendo, también crecía la necesidad de dar complejidad a las historias, para que estas se parecieran más a la vida real. Los géneros establecidos comienzan a cambiar y más que todo a combinarse, creando híbridos en los que el género mismo se desvanece, perdiéndose de vista para dar paso a una narración más parecida a la vida real.
La vida no es una comedia o explícitamente un drama, no se subdivide en una trama de acción, suspenso o terror. La vida es ella y nada más, conteniendo todo los géneros mencionados y hasta mucho más, alcanzando la “realidad” a la cual estamos acostumbrados.
La película de la que vamos hablar, tiene una particularidad o más bien, un número de ellas. Tiene tres directores, siendo estos Lana y Andy Wachowski quienes recordaran por su irregular y legendaria trilogía de “The Matrix” y un tercero de nombre Tom Tykwer quien se hizo sonar con su opera prima “Run, Lola, Run”. La segunda particularidad es la financiación de esta película, que con 102 millones de dólares, se convirtió en la película independiente más cara que alguna se haya filmado y que por lo cual se da a entender lo inmenso y ambicioso del proyecto.
La última particularidad que quiero mencionar es la historia en la que está basado el filme, tomando de referencia el libro escrito por David Mitchell del mismo título. Básicamente son seis historias, todas dentro del mismo universo narrativo, pero situadas en diferentes tiempos de la historia mundial. Se desarrollan desde el siglo 19 hasta un futuro post-apocalíptico más allá del siglo 23. Todas las historias están conectadas entre sí de alguna forma, creando lo que le da el titulo a la película aquí en Latinoamérica, “La Red Invisible”.
Un trabajo sin duda ambicioso y en cualquier forma de arte, eso no se recibe de mala gana. Mi primera impresión con Cloud Atlas, al terminar su visionado, no fue la mejor. Para ser sinceros, salí pensando en escribir una crítica bastante dura contra el filme, planeando darle duro a lo que pensaba era una mezcolanza extraña, que no le dieron ni el más mínimo tiempo de cocción, pero logré que mi cabeza se enfriara y me di cuenta que mi mayor disgusto con el filme fue que no lo entendí y escribir una crítica detractora sobre cualquier forma de arte, solo porque no lo entendiste, es una gran irresponsabilidad.
Reflexionando caí en la cuenta de que Cloud Atlas era un filme con una historia muy poderosa, que habla sobre nuestra propia humanidad sin meter cuestiones de raza, o cultura o siquiera espacio-tiempo. Verdaderamente puedo decir que es una de las películas que merece el título de “universal” y que es una historia que puede llegar a todo el mundo, dejando una reflexión de lo que fuimos, lo que somos y lo que seremos, tal vez no como personas individuales, pero si como una humanidad conjunta.
Un aspecto que tengo que resaltar es el valor técnico, sobre todo la fotografía y la edición. El aspecto visual de la película es un gran fuerte, que impresiona desde el primer momento y le provee de esa conectividad entre las historias. Una curiosidad de la realización tiene que ver con el hecho de que los tres directores se repartieron las historias, tres dirigidas por los Wachowskis y tres dirigidas por Tykwer, y lo interesante de esto es que en el visionado no es perceptible, revelando así como los realizadores trabajaron con una mentalidad unificada. Esa unificación se reafirma por el excelente trabajo de edición. Uno pensaría que contar seis historias diferentes e intercaladas debería de ser una tarea complicada y que no sería fácil para el espectador, pero este montaje me dejó claro que con algo destreza todo se puede, ya que en ningún momento una historia toma más protagonismo que la otra o generan confusión, porque le permiten al cerebro del publico seguir la trama de cada una.
Esta cinta es de un potencial grandísimo, muy grande de hecho, pero sencillamente creo que tal potencial no fue aprovechado a su máximo. Este es el aspecto que, por más que le di vueltas en mi cabeza, no pude justificar de la película y por lo cual no llega a ser una obra de gran envergadura, como lo pudo ser. La razón de eso tiene que ver con lo que explicaba al principio de este artículo, con el tratamiento de los géneros en este filme.
Por ser varias historias en una, nos encontramos con varios géneros también. Aquí hallamos acción, suspenso, drama histórico y político, ciencia ficción e incluso comedia. Esto también hace parte de lo que hace ambicioso al filme, el incluir todos estos géneros para lograr producir la mayor cantidad de emociones en el publico. En un principio parece algo que se puede recibir muy bien, pero al terminar de conocer la historia y de aprender de lo que esta se trata, te das cuenta que ese tratamiento de los géneros no fue el más acertado. Los géneros en las películas se dieron por la necesidad de imitar la vida real, pero de una manera simplificada para adaptarla a la historia de una película. Con los años, la narrativa cinematográfica fue evolucionando hasta llegar a un punto, en el que se puede prescindir de los géneros para hacer de una historia más humana. Los géneros son entonces relegados a obras en las que prevalece el estilo (Que no es algo malo, teniendo como ejemplo a un grande como Tarantino) y ya no son muy útiles a la hora de humanizar un relato.
Cloud Atlas es una historia que, sobre todas las cosas, es humana y que tenía que manejarse de ese modo. Los directores no vieron este potencial y apostaron por el espectáculo, por regirse bajo el yugo de cánones que no aplican a la vida real, sino nada más a las ficciones de las historias. Eso es lo que hizo que me confundiera la primera vez, porque no sabía cuál era la intención de los realizadores ¿Querían dar una entretención inteligente pero plana, o querían contar un relato profundo y reflexivo? Alguien podría argumentar que ambas, pero para mí los relatos profundos y reflexivos son entretenidos en sí mismos, no necesitando de ningún adorno extra. Ultimé mis pensamientos en que esta es una de muchas otras obras, que lastimosamente no escalo todo lo que en verdad pudo escalar. Un gran y apreciable esfuerzo pero que requería de un mejor tratamiento.
Calificación: 3.2 Cicatrices de 5 (Maquillaje no soportable)
Cuando era niño, una de mis actividades favoritas era de sentarme a ver televisión, entre amenazas sobre ojos cuadrados y enfermedades, era algo que disfrutaba demasiado. En las historias que veía por televisión, una de mis favoritas eran las que tenían que ver con grupos de personajes, en que cada uno tenía una habilidad especial. Cuando fui creciendo, alcanzando la pre-adolescencia, me daba cuenta de que ese era un patrón o mejor dicho un “template” en que muchas historias de diversos medios se basaban. Al reconocer esto me declaré fanático de este tipo de historias y siempre que encontraba un estilo parecido, me atiborraba como fuera de tal historia. Más adelante, durante mi adolescencia, comencé a interesarme en más y más temas e historia y estilos de narración. Llegó un momento en que conocí lo suficiente, que cuando volví a mi niñez, a ese modelo de historias de “equipos”, me hice consciente de que la pereza al escribir existe y mi fanatismo paso a la historia, no obstante siempre consideraré que ese modelo es un buen punto de partida.
Gangster Squad del director Ruben Fleischer, me llamó la atención desde un principio, ya que combinaba dos cosas que me gustan mucho, un “ensemble cast” y el cine noir, por lo cual mis expectativas estaban medianamente altas. Su director fue el que dirigió Zombieland y 30 minutes or less, las cuales fueron un gran divertimiento y el reparto de la cinta se conforma de nombres para nada ligeros. Cuando terminó la película, había algo en mi cabeza, una pequeña voz que me decía casi susurrando “te lo dije, nada es tan bueno como lo parece”.
Salí de ese cine con la intención más grande llegar a mi casa y encontrar algo mucho mejor que hacer. Que les puedo decir, Gangster Squad fue una decepción… es una decepción. Pero antes de hablar de lo que no me gustó, haré mención de lo que si destaca y que de hecho me hace decir “no perdí (taaaaanto) el dinero”.
Fleischer tiene un gran sentido de la imagen, pero probablemente no de profundidad narrativa, aún así tengo que aceptar que el manejo de las escenas de acción fue espectacular, en particular la persecución en vehículos. La fotografía, junto al diseño de producción, le daba una atmósfera muy atractiva que permitía al espectador sentirse ameno con lo que veía. Hubo escenas interesantes, como la escapada de la cárcel, en donde Fleischer juega con la iluminación y la edición que acentuaban el estilo rápido de la película.
Y ahí me detengo porque realmente es lo que pude disfrutar, de resto fueron cosas que jamás cuajaron y que nunca tuvieron la intención de hacerlo. Gangster Squad sufre de una terrible escritura perezosa, que nada más tiene intención de complacer superficialmente. Esos “equipos de personajes” que tanto disfrute cuando era niño, era algo que me atrajo automáticamente, pero aquí los usan de manera tan grosera, con el solo propósito de no hacer el esfuerzo de agregar profundidad a los personajes, limitándose nada más a ponerles una identidad vacía.
El problema con la escritura perezosa es que realmente no genera apego a los personajes, ni a sus misiones, ni a la historia en sí. Me llega a molestar incluso a un nivel personal, ya que las identidades de los personajes eran tan bien presentadas por los actores, que llega incluso a entusiasmar, pero los realizadores deciden ignorar eso en pro de volver la cinta más calva y más accesible. Al no proveer esa profundidad a los personajes, estos se vuelven acartonados e incluso caricaturescos, sin generar interés.
En cierto momento se generó en mí un conflicto con el personaje de Sean Penn. Siendo el excelente actor que es, supo ponerse la piel del mafioso despiadado y he aquí algo que ejemplifica los daños de no dar profundidad, ya que al no tener nada de esta, se volvía totalmente ridículo e insoportable, una caricatura que simplemente daba pena ajena. Fue el personaje de Penn que más me afectó porque fue el que requería ser más exagerado y del cual estoy seguro de que no hubiera sido tan molesto, de ser mejor escrito.
La cereza en el pudín llego al final. Después de pasar por una penosa, vacía y poco original trama, llegamos a un momento en que una voz en off, glorifica la acción de la policía de Los Angeles. A riesgo de adentrarme en un tema muy político, tengo que decir que esto me pareció fatal, no porque denigre las instituciones como la fuerza policial, sino por el contexto actual de ese departamento en esa ciudad, el cual ha tenido una historia de acciones reprobables y que ahora mismo acabo de salir de un tema caliente en las noticias. Parece trivial, pero es que frustra el que me hayan tenido que pasar por una narración mediocre, para llegar a una propaganda política.
Concluí que no siempre se puede tener lo que se quiere. Es triste que cosas como estas salgan a la luz y que ni siquiera en el género de acción resalten. Probablemente Fleischer se encontraba fuera de lugar, ya que había logrado antes dos comedias decentes y su salto a la acción no fue el más adecuado. Una muestra de la importancia de la historia en una película y los destrozos, por culpa de una mala escritura.
Calificación: 2.3 Lustra-botas de cinco 5 (Ridículo lanza cuchillos)
